BodyMeld - нови хореографии Съвременен танц, хореография и танцови работилници от Зорница Стоянова
Съвременен танц, хореография и танцови работилници от Зорница Стоянова

Интервю със Зорница Стоянова на shatter ::: зори

May 21st 2013 

От Кат Рихтер за The Dance Journal

promo6Утре вечер бележи откриването на разбивам :::зори, най-новото танцово/инсталационно начинание на изпълнителката на експериментални движения Зорница Стоянова. Достигайки „интимно“ до крайност, представлението ще побере само десет души публика всяка вечер и включва състав от петима танцьори, включително Стоянова, Кристина Джезуалди, Адам Кербел, Мейсън Розентал и Ан Уилсън. Между репетициите Стоянова отдели известно време, за да обмисли преживяването на публиката и понятието „успех” в сценичните изкуства.

DJ:  Какво означава разбивам ::: зора значи и как ти хрумна заглавието?

ZS: Работното заглавие на парчето беше „Аз съм всеки, аз съм никой“. Беше твърде дълго, твърде многословно и имах чувството, че не се вписва добре като заглавие. След дълги дискусии с всичките ми танцьори и драматург Меган Бридж решихме, че заглавието трябва да предизвика нещо ново, нещо различно и да добави към парчето, вместо да го обясни (каквото направи работното заглавие). Търсих много различни образи, които бяха предизвикани в парчето. Хареса ми сдвояването на разбиване/зора, защото и двете думи създават специфичен образ. Когато си мисля за „разбиването“, се сещам за нещо, което 

се съкращава, счупва и се абстрахира от първоначалната си форма. Това е действие на сила и непосредственост, което прави обекта напълно неузнаваем по форма, но все пак носи същността на оригиналния обект. „Зората“ обичах, защото пряката връзка със светлината. Работя много със светлина и в това парче изследвам някои ефекти със скулптурите от Mylar и отражението, което създават. Самото парче е бавно и медитативно, расте почти невидимо, като светлината на новия ден. И в двете думи има нещо чисто, нещо първично и чувствам, че отразява парчето в неговата цялост.

DJ: Как танцьорите са повлияли на работата? Хореографията изцяло ваша ли е или си сътрудничите с танцьорите си в създаването на движение?

ZS: Исках да работя с актьори и танцьори, които бяха много добри импровизатори и се чувстваха комфортно да се представят голи. Избрах Адам Кербел, Кристина Джезуалди, Ани Уилсън и Мейсън Розентал не само заради това, но и заради приятелството и доверието, което имахме преди това. Всички споделяме взаимно уважение към това, което правим, и към нашата индивидуална работа и това за мен беше от голямо значение.

Всеки един от тях е създател сам по себе си и наистина имах нужда от такава среда в репетицията. Това доведе до много дискусии и танцьорите разшириха границите на това, което мислех, че искам да ги видя да правят. Те ще поставят под въпрос мотивите ми зад едно решение и ще предложат различни начини да се стигне до същия въпрос. Без тези въпроси и дискусии никога нямаше да стигнем там, където сме сега.

Но за да отговоря правилно на въпроса, голяма част от парчето е импровизационен характер. Не вашата импровизация „правете каквото искате“, а такава с много специфичен набор от правила, обвързани с членовете на публиката. Има и много специфична хорография, някои от които съм направил сам, някои сме сглобили. Бих казал, че парчето оживява, когато в него има публика и е синергия между всички нас изпълнители и цялата публика.

DJ: Как очаквате публиката да реагира на представление, което „минава през оградата между танца и инсталацията?“

ZS: Всички работихме наистина усилено, за да предоставим на публиката специфична среда. Всеки отделен член на публиката може да се движи през пространството и да избира как да види парчето. Използваме много близост и абстрактна комуникация по време на пиесата и определено е необичайно преживяване за зрителя на театър. Предполагам, че всеки ще има малко различно преживяване и ще види неща, които другите хора не са виждали […].

DJ: Какво чувствате, че ви отличава като изпълнител и от други артисти, базирани във Филаделфия, които правят подобна интердисциплинарна работа?

ZS: Обсебен съм от правилното осветление и съм много загрижен за ефекта и преживяването на публиката. Едно нещо, което развивам и не съм виждал други в района на Фили да се хващат, е комуникативният жест и играта на разпознаваеми образи, които предлагам в моите изпълнения. Харесва ми да играя с очакванията и да създавам невербална (или понякога вербална) комуникация с моята публика. Отношенията ми с публиката стават игриви и дръзки, малко обезпокоителни и много, много забавни.

DJ: Как се чувстваш да играеш пред толкова малка публика (общо 60 души по време на бягането)? 

ZS: ОБИЧАМ ГО. За мен наистина е важно да имам интимна среда, в която публиката не просто сяда, за да се „наслажда“ и да бъде „нахранена“ с някакво леко замислено/леко забавно нещо. Публиката е агент, личност, индивид и ние се отнасяме към всеки един от тях по този начин. Искам да уточня обаче, че това не е от типа среда, в която ви призовават на сцената, или ви дразнят, или ви създават неудобство. Работим много усилено, за да предизвикаме публиката, но в много удобна и безопасна среда.

DJ: Често изпълненията със съотношение публика/танцьор 2:1 се разглеждат като „неуспешни“ (т.е. продажбата на билети не е вървяла добре или единствените хора, желаещи да дойдат, са били приятелите на танцьорите), но вие сте проектирали това шоу с малки публиката в ума. Можете ли да коментирате допълнително това?

ZS: Повечето произведения на изкуството са направени, за да се консумират само за един човек. Вземете например рисуването (най-класическото от изкуствата). Картина се прави с една конкретна гледна точка, когато се гледа в музей, човек се позиционира директно пред нея и когато дойде време за движение, те освобождават място за следващия човек, за да може да я „види“. Изпълнителното изкуство [е] много подобен феномен. Всеки човек от публиката гледа представлението и без да го осъзнава, преобръща картината в мозъка си, сякаш седи на мястото на режисьора – отпред и в центъра.

Знаейки това, поставям под съмнение изцяло конструкцията и правилата на театъра. Мисля, че театърът е дядото на телевизията, така че във формата си е конструиран за забавление. По някакъв начин визуалното изкуство нарушава тази граница и дава много повече свобода на зрителя. Именно затова се интересувам от този вид формат. Искам да дам свобода на зрителя да не бъде напълно пасивен и да може да ръководи собствения си опит, докато се движи в пространството.

За мен терминът „неуспешен“, използван в тази форма, е глупав. Повечето спонсори и водещи са обсебени от това, харчат милиони долари за маркетингови кампании, опитвайки се да накарат всеки човек на улицата да се грижи за сезона си. Просто не съм съгласен с този подход към изкуството.

Обред на пролетта беше изключително неуспешен; повече от половината публика излиза от театъра. Пикасо, когато за първи път започна своя кубизъм, беше изключително неуспешен. Един по-скорошен пример е […] Мег Стюарт. Роден в Америка хореограф, работещ предимно в Европа, [Стюарт] е може би един от най-влиятелните учители и хореографи в съвременното изпълнение в момента. Тя е силно продуцирана, с огромни фестивали зад гърба си, обикаляйки света почти всяка година. Все пак половината от нейната публика напуска(и) театъра по време на нейното шоу.

Това, което е важно във всички тези примери, е достойнството на изкуството, а не неговата привлекателност за широката публика. Не твърдя, че правя изпълнение за всички. Със сигурност не е подходящ за деца и няма да е толкова привлекателен за някои. Знам това и съм развълнуван да се усъвършенствам в занаята, който ме държи буден цяла нощ, и да го споделя с хората, които всъщност се интересуват и са ангажирани да експериментират с нови преживявания. Така че, 10 или 600 членове на публиката... няма значение за мен.

разбивам ::: зора
сряда – петък, 22, 23, 24 май от 8:XNUMX ч.
Понеделник – сряда, 27, 28, 29 май от 8:XNUMX ч.
Бяло пространство в старото училище, 1417 2nd Street, Филаделфия, Пенсилвания 19125

Оригинална статия, публикувана тук

БългарскиEnglish